El Método
GEEM no reduce la armonía a una colección de acordes ni el ritmo a la división del pulso. Es un marco teórico propio, una metodología basada en la percepción y una escalera de productos que se validan haciendo música.
Percibir el ciclo, no dividir el pulso desde fuera.
Inspirado en cómo las culturas de raíz —origen del blues, el rock y el jazz— procesan el tiempo: sentir el espacio entre golpes y la respuesta del cuerpo. El resultado es un time sólido y orgánico; sentir la síncopa en vez de calcularla.
Audición de larga distancia: la canción como una sola idea.
Pasar de la audición vertical —el acorde del momento— a la horizontal: direccionalidad, una obra que se prolonga en el tiempo. Acelera la improvisación y la composición; el alumno escucha la lógica antes de tocar.
Del "escucho una guitarra" al "percibo un objeto sonoro".
Texturas, masas y envolventes dinámicas. Músicos que son productores de su propio sonido, con una identidad tímbrica propia.
Marco teórico
Una síntesis que integra la tradición contrapuntística europea (Fux, Schenker, Salzer), los sistemas polirrítmicos africanos (Kubik, Arom) y la armonía de jazz (Barry Harris). Territorio original: no existe literatura que combine sistemáticamente estos marcos.
Ejecutar estructuras de contrapunto de especies mientras se ejecutan razones polirrítmicas de la serie armónica (2:3, 3:4, 4:5). El ejercicio núcleo del método.
Tres regímenes temporales —tiempo lineal, circular y suspendido— como principio organizador transversal de la improvisación y la composición.
Definiciones fundamentales
Confundir acorde, contrapunto, armonía y color armónico es el origen de gran parte de la confusión en la enseñanza.